Cómo la teoría del color de la Bauhaus sigue viva en el diseño gráfico contemporáneo

La nueva campaña “Compose with Colour” de Keaykolour ofrece una aplicación renovada de la teoría del color popularizada por Josef Albers, recordándonos el profundo poder de sostener un trozo de papel de color entre las manos. En un mundo saturado de experiencias digitales, sentir su textura y observar cómo su tono cambia bajo diferentes condiciones de luz crea una relación con el color que jamás podrá ser replicada por los píxeles en una pantalla.

Este concepto cobra vida a través de una nueva herramienta interactiva de papel, diseñada por Design & Practice, que se suma a la colección Creative Power by Antalis.

Texto de Ruben de la Rive Box, Director Creativo en Design & Practice.

Albers reunió sus ideas en su famoso libro The Interaction of Colour, un manifiesto práctico que combinaba sus teorías con composiciones de color abstractas y atemporales, haciéndolo relevante y útil tanto entonces como hoy.
Colocó al observador humano en el centro de su tesis: “en la percepción visual existe una discrepancia entre el hecho físico y el efecto psíquico”. Con esto quería decir que las propiedades físicas de un color —su longitud de onda, su pigmento— son secundarias frente a cómo la mente humana lo percibe en relación con su entorno.

Al enseñar este principio, Albers rechazó los sistemas tradicionales de color y se centró en desarrollar “un ojo para el color” mediante un proceso de prueba y error. En su método insistía en utilizar papel de color para los ejercicios, y no pintura. Esto no se debía a una cuestión de comodidad, sino a su convicción de que el papel coloreado ofrece propiedades favorables, como la consistencia del color, la facilidad de uso y una distribución uniforme del pigmento.

Esta sencilla decisión convierte la teoría de Albers en un punto de partida útil para la práctica del diseño contemporáneo, que puede comenzar con una paleta táctil preseleccionada —como la colección Keaykolour— para experimentar con composiciones de color.

Componer colores como notas musicales en una sinfonía visual

El artista Kandinsky experimentaba sinestesia, debido a una condición médica que le hacía “ver colores al escuchar música” y viceversa. Esta conexión fue un motor clave en su transición hacia el arte abstracto, ya que buscaba crear composiciones visuales que resonaran con el poder emocional y espiritual de la música. Se inspiraba en las estructuras formales de la música, incluyendo ritmo, armonía y contrapunto, intentando traducir estos principios a sus pinturas.

Kandinsky creía que el arte, al igual que la música, podía desarrollar potentes cualidades emocionales y espirituales, con el objetivo de transmitir una “sinfonía de colores” en sus composiciones.

Aunque Josef Albers otorgaba mucho menos énfasis al aspecto espiritual del color y la música, vinculaba explícitamente el arte visual con formas musicales, aplicando principios de armonía musical a su estudio del color. Creó obras que exploraban la repetición, el ritmo y el movimiento dinámico presentes en las estructuras musicales, y componía interacciones precisas de colores que generaban efectos semejantes a los acordes musicales.

Su impulso de desarrollar “un ojo para el color” puede compararse con la capacidad de los músicos de tocar melodías y armonías de manera intuitiva, pero basadas en la práctica y el ensayo. Aplicó los principios de la armonía musical en su estudio del color, especialmente en su famosa serie Homage to the Square, donde la interacción precisa y armoniosa de los colores podía producir efectos similares a los acordes musicales.

La relatividad del color para un diseñador hoy

“El color es el medio más relativo en el arte.” Con esta afirmación, Albers defendía que no vemos los colores tal como existen físicamente, sino que nuestra percepción está constantemente influida por su entorno. Por lo tanto, un color no existe como tal, sino como una interpretación nuestra de él.

A través de ejercicios visuales diseñados por él mismo, Albers demuestra cómo un mismo color puede aparecer como dos tonos distintos dependiendo de los colores que lo rodean, e incluso cómo dos colores completamente diferentes pueden parecer casi idénticos según su contexto. Este fenómeno, conocido como contraste simultáneo —descrita por primera vez por Michel-Eugène Chevreul— demuestra que no existen absolutos en el color; nuestra comprensión de la claridad, oscuridad o intensidad de un color depende totalmente de los colores vecinos.

El enfoque de Josef Albers transformó fundamentalmente la teoría del color, desplazando el foco de sistemas y reglas rígidas hacia un aprendizaje práctico y experiencial. Esto lo hace especialmente valioso para los profesionales contemporáneos.

En el diseño moderno, el comportamiento relativo y las interdependencias de los colores pueden influir significativamente en un diseño o interfaz. Por ello, es crucial explorar y examinar estos comportamientos y utilizarlos de manera consciente. Comprender que los colores tienen un peso emocional y que sus interacciones pueden amplificar o disminuir estos efectos permite realizar elecciones cromáticas más intencionadas y estratégicas. Un rojo que parece agresivo en un contexto puede resultar enérgico en otro, lo que exige que los diseñadores desarrollen lo que Albers llamaba “un ojo para el color”.

De la teoría a la tactilidad: aplicaciones contemporáneas

La rica historia de la investigación del color en el arte y el diseño ofrece varias ventajas prácticas para los diseñadores y marcas contemporáneas. Una inspiración notable y directa llevó a Hermès a crear una colección de pañuelos inspirada en Josef Albers, imprimiendo composiciones de color con minucioso detalle sobre finas sedas. El estudio de diseño Atelier Bingo creó “Stéréo Couleurs”, un libro construido completamente a partir de collages hechos a mano con papeles recortados.

Mientras que el libro de Atelier Bingo es más lúdico y no teórico en su enfoque, el uso del papel para crear combinaciones de color atractivas refleja la misma forma de trabajar placentera y táctil. La combinación lúdica y experimental de colores para formar narrativas complejas y únicas también constituye una herramienta clave para que las marcas organicen grandes colecciones de colores y ayuden a diseñadores y clientes a sentirse guiados.

La marca danesa de pintura Bleo invita a destacados creativos a crear sus propias paletas curadas, y su Colour Interactions Palette demuestra cómo los principios de Albers se han destilado en una gama comercial de pinturas que funcionan dentro de su marco. Curada a partir de las placas originales de Albers, la colección reduce cientos de tonos potenciales a una paleta precisa e intuitiva. Este proceso de curaduría refleja la creencia de Albers de que las limitaciones fomentan la creatividad en lugar de restringirla, ofreciendo a los consumidores un acceso sofisticado pero accesible a la teoría del color.

En la era digital, las experiencias físicas que invitan al tacto crean experiencias de marca más íntimas y memorables. Aprovechando el poder del tacto y la tactilidad, marcas de los sectores de moda, lujo y retail comprenden que el papel es uno de los últimos puntos de contacto físico donde pueden marcar la diferencia; al utilizar papel coloreado, las marcas canalizan la reacción emocional que las personas tienen hacia el color.